Revue Art, enseignement & médiation

Les places et les effets de l’artiste à l’école
et sur les institutions culturelles

éd. Opemap, Bruxelles, octobre 2019, 150 pages.

16 x 23 cm
12 euros
ISSN 2506-8423
ISBN 978-2-9601926-2-9

Pour commander cette publication, écrivez-nous à : info@opemap.be

Les Actes du colloque – Les places et les effets de l’artiste à l’école et sur les institutions culturelles – sont la conclusion d’une aventure collective commencée en 2017 entre deux villes, Paris et Bruxelles, représentées par deux institutions culturelles, BOZAR et le Centre Pompidou, deux écoles, l’Institut Sainte-Marie et le lycée Rodin, deux classes, une 7^ème professionnelle et une première littéraire et deux artistes, K. Goldstein et Vincent Glowinski. Le colloque avait pour objectif d’interroger les places et les effets des artistes qui s’engagent dans des projets Art/Ecole. Deux demi-journées ont été consacrées à des tables rondes qui réunissaient chacune des élèves, des travailleurs d’institutions culturelles, des enseignants et des artistes. Les deux autres demi-journées ont été animées par trois conférences autour des trois axes qu’entrelace ce type de projet : politique, éducation et esthétique.

La présente publication est constituée de trois parties. La première est consacrée à une mise en perspective des problématiques et des recherches sur les effets pédagogiques, mais aussi politiques et esthétiques, que génèrent la présence de l’artiste dans les écoles, sur les élèves et les institutions scolaires et culturelles.

La deuxième partie réunit une série de textes collectifs qui sont le reflet des travaux et des discussions menés durant les tables rondes. Ces textes sont à plus d’un titre hybrides : d’abord parce qu’ils tentent de synthétiser et de transmettre un exercice oral et polyphonique. Ensuite parce qu’ils ont été écrits non par des spécialistes ou des universitaires mais, pour la plupart, par des enseignants et des permanents de Culture & Démocratie. Cette idée qui consiste à se demander – qui parle et de qui écrit ? – est une des problématiques qui nous semblait importante de mettre en valeur. Le métier d’enseignant devrait d’abord être un métier de chercheur où, chaque année, chaque classe est l’occasion d’une aventure collective toujours à vivre et à réinventer. En ce sens, l’irruption de l’art et de l’artiste à l’école révèle une dimension créatrice et non reproductible. Ces récits hybrides sont aussi à l’image des projets qu’ils présentent : contradictoires, ambivalents où les positions se confrontent pour faire émerger des chemins possibles.

Nous avons fait le choix d’une troisième partie plus « sensible » et poétique avec deux artistes Sylvain Bolle-Reddat et Louis Pelosse.

Sommaire

Sébastien Marandon
Introduction

1. Perspectives et problématiques

Sébastien Marandon
Les places et les effets de l’artiste à l’école et sur les institutions culturelles

Alain Kerlan
Esthétique, Politique et éducation

Sabine de Ville
Art et culture à l’école, une politique éducative

Benoît Dusart
Artistes pédagogues / pédagogues artistes

2. Tables rondes et témoignages

- Liminaire
- GEN Z : Searching for beauty. « Passer la parole aux jeunes pour les jeunes »
- L’artiste, un tiers inclus ?
- Collection Remix : l’envers du décor
- De l’importance de la médiation : Lasso et Kaaitheater
- “Die Welt is Schön”
- Les Masques Moches : BRASS
- Droits culturels ou expériences artistiques, dépayser ou faire apparaître ?
- Méthodes et principes : 3 projets
- The Class : Kunstfestivaldesarts
- Lessen uit Next Generation, Please ! Leçon de Next Generation, Please !

3. Ulysse et moi ou l’écriture en partage

Sylvain Bolle-Reddat
Ulysse et moi

Passeurs : enseignants & médiateurs
Exposer/Démontrer. Les écarts de la recherche en art.

éd. Opemap, Bruxelles, janvier 2018, 148 pages.

16×23 cm
12 euros
ISSN 2506-8423
ISBN 978-2-9601926-1-2

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Ce troisième numéro de la revue Art, enseignement & médiation est consacré à une double problématique. La première se laisse ramasser sous la question des rapports entre transmission, médiation et création. La seconde entend interroger les logiques de mise en œuvre de la recherche en art.

Sous le titre « Passeurs : enseignants & médiateurs », la première partie de ce numéro revient sur une expérience menée à l’initiative de l’Institut Supérieure pour l’Etude du Langage Plastique (ISELP) en collaboration avec des écoles secondaires et des étudiants de l’agrégation en arts plastiques, visuels et de l’espace de trois écoles supérieures des arts de Bruxelles. Au point de départ de cette expérience, se trouve le projet « Passerelle » envisagé comme un dispositif qui a pour ambition de créer des espaces de rencontres entre médiation culturelle, pédagogie et pratique artistique et de mettre à l’épreuve des transpositions possibles entre ces différents champs d’action. A partir des expériences concrètes relatées au fil des pages par les enseignants et les étudiants-stagiaires, une interrogation se dégage progressivement sur les articulations possibles entre la transmission, la médiation et la création. Comment envisager la rencontre des élèves avec les œuvres ? Comment s’en saisir pour mettre en place les conditions propices à une expérience de la création ? Que transmet-on au-delà de la compréhension de la démarche d’un artiste ou du sens d’une œuvre ? Le médiateur, l’artiste et l’enseignant poursuivent-ils des objectifs divergents ? Comment la parole de l’un vient-elle déloger ou compléter la parole ou le geste de l’autre ?

Sous le titre « Exposer / Démontrer. Les écarts de la recherche en art », nous publions ici les communications données par des artistes-chercheurs et enseignants dans le cadre d’une journée d’étude tenue à l’ArBA-ESA en juin 2016. L’objectif général de cette rencontre était d’engager une réflexion sur les problèmes spécifiques que pose l’élaboration d’une épistémologie de la recherche en art, sa qualité différentielle, et les questions méthodologiques qu’elle soulève à travers la multiplicité des formes que cette recherche peut prendre.

Sommaire

Passeurs : enseignants & médiateurs

Pauline Hatzigeorgiou
Passerelle : croiser les routes entre l’artiste et les élèves, entre l’art et la société

Catherine Warmoes
Quand les artistes font cours

Pascalia Papadimitriou
Art changes people, people change the world… Oui, mais comment ?

Sophie Hawotte et Mireille Sartor
Ce que l’on cache et ce que l’on montre

Hannah Meersseman, Pierre Pozza et Françoise Gillet
S’insinuer dans l’institut, méandres et médiation.
Ou : comment instituer des liens ?

Jérémy Lacombe, Françoise Gillet et Anne Dejaifve
Retour sur une première expérience

Dirk Dehouck
Ethique et épistémologie dans l’enseignement des arts plastiques
Transmission, médiation & création

Exposer / Démontrer. Les écarts de la recherche en art

Vanessa Brito
Qu’est-ce que je veux ? Quelle est ma position ?
Quelques notes à propos d’un workshop avec Thomas Hirschhorn

Vangelis Athanassopoulos
Recherche, discours et créativité

Eric Valette
Déplacement/terrain de recherche
Réflexions à partir d’une expérience artistique collective

Mick Finch
Recherche un mode d’emploi

Séverine Cauchy 
Escapologie, égarement, tenségrité

Projet, démarche et recherche en art. Explorations et mises en œuvres

éd. Opemap, Bruxelles, novembre 2016, 187 pages.

16×23 cm
12 euros
ISSN 2506-8423
ISBN 978-2-9601926-0-5

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Les notions de « projet », de « démarche » et de « recherche » sont souvent utilisées par les artistes lorsqu’il est question de leurs parcours et de leurs oeuvres. Elles font partie intégrante du champ sémantique qui définit les contours incertains des discours de l’art, y compris lorsqu’il s’agit d’enseignement, de pédagogie, de didactique ou de médiation. La « pédagogie par projet » entretient avec la création artistique une relation étroite, pour ne pas dire essentielle, avant que celle-ci ne soit généralisée à d’autres disciplines. En effet, si l’exercice cadré et reproductible est en soi porteur d’apprentissages, si sa conception relève d’une forme partielle de maitrise, l’élaboration des conditions propices à l’expérience de la création est une tâche chaque fois située, sans garantie de réussite et dont il est souvent difficile de rendre compte.

Il est courant d’entendre parler du projet artistique d’un élève ou d’un étudiant ; de même qu’il est courant de l’interpeller sur sa démarche qui singularise la pratique d’une discipline artistique. Indissociable l’un de l’autre, le projet et la démarche de l’artiste renvoient pourtant à des temporalités et à des réalités différentes. Si le projet s’énonce dans la visée d’une réalité à faire advenir, la démarche s’éprouve au présent et le parcours effectué toujours dans l’après-coup.

Depuis plusieurs années pourtant, la notion de « démarche » tend à faire place à celle de « recherche », terme aux accents institutionnels et scientifiques plus forts. S’agit-il de revendiquer une plus grande maitrise des procédures et des méthodes et d’intégrer la démarche artistique dans un champ plus large de savoirs par rapport auxquels elle peut se situer ?

Nous proposons d’envisager ici la triade projet/démarche/recherche comme une hypothèse de travail pour explorer et analyser les dispositifs et les méthodes expérimentés dans l’enseignement des arts et dans le domaine de la médiation. Comment amener les élèves ou les étudiants à développer un projet et comment en rendre compte ? Comment favoriser la construction d’une démarche artistique et lui donner une forme d’intelligibilité et de visibilité ? Comment accompagner l’élaboration d’une recherche en art ? Comment distinguer ces différents seuils d’approfondissement de la création ? Telles sont les questions que nous avons voulu aborder dans ce numéro.

Sommaire

Dirk Dehouck
Introduction

Virginie Ruppin
Une résidence d’artiste à l’école maternelle
Entretien mené avec un plasticien : retour sur une mise en œuvre singulière

Cécile Dujardin
Les séminaires interdisciplinaires des pratiques : un espace réflexif pour les stages

Fanny Dreyer
« Ça, c’est beau ». La lecture des images

Christiane Herth
Enseignement des arts plastiques et technicité : examen d’un rapport ambivalent

Dirk Dehouck et Aurélie Gravelat
Le projet en arts plastiques : vers une pédagogie de l’évidement ?

Bruno Goosse
Document-monument. Modules de recherche : une initiative pédagogique

Pierre Juhasz
L’enseignement des Arts plastiques – Héritage, desseins et destin : de la pratique à la problématisation

Agnès Foiret
Pratique artistique et didactique de l’enseignement des arts plastiques : points de contact et partage de territoires

Hervé Bacquet
Matisse, au cœur de la didactique

Diane Watteau
L’éclat de rire des sœurs Martin : « il y a » du visible et « il y a » du langage

Axel Pleeck
Se créer une valise pédagogique : une piste de travail pour l’enseignement des arts plastiques

Introduction

Quelle politique pour l’enseignement des arts ?

Depuis quelques années, sous l’influence de transformations profondes qui concernent tout à la fois l’institution scolaire et la société dans son ensemble, les préoccupations autour de l’éducation artistique reviennent au devant de la scène publique et retiennent l’attention des politiques en Europe et dans le monde.

Dépassant largement la sphère de l’école, l’attention portée aux productions mais aussi aux pratiques artistiques et culturelles dans les politiques éducatives tend à s’intensifier. Rappelons le « Plan pour les arts et la culture à l’Ecole » initié en France par le Ministre de l’éducation national Jack Lang en 2001, plan aujourd’hui considéré comme une priorité de la politique culturelle[1]. En mars 2006 l’UNESCO, en collaboration avec le gouvernement portugais, organisait une conférence mondiale sur l’éducation artistique, sa mise en œuvre et son impact social et culturel. L’année suivante, le Centre Georges Pompidou accueillait un symposium européen et international dont l’objet était d’évaluer les effets de l’éducation artistique[2]. En Belgique, l’élaboration du décret « Culture-Ecole » se donnant pour objectif de favoriser le développement des activités culturelles et artistiques en milieu scolaire et adopté par la Communauté Française en 2006 s’inscrivait de plein pied dans ce mouvement d’ensemble. Dans son prolongement, le groupe de travail « Art et Ecole » (initié par l’asbl Culture et Démocratie) organisait en novembre 2008 un colloque intitulé « La culture au cœur de l’enseignement : un vrai défi démocratique » et, en novembre 2013, à l’initiative du cabinet de la Ministre de la Culture, Fadila Laanan, la cellule Culture-Enseignement de la Fédération Wallonie-Bruxelles proposait « une journée de sensibilisation à l’éducation artistique et culturelle dans et hors de l’école ».

Le recours systématique à l’expression « éducation artistique et culturelle » pose cependant la question d’une dédifférenciation de ces notions et tend à en réduire la dimension subversive et problématique^[3]. Le philosophe et musicien Theodor Adorno opposait ainsi l’art à la culture non seulement pour maintenir la création artistique à l’abri des logiques consuméristes de l’industrie culturelle, mais aussi parce que l’expérience artistique et créatrice devait se défaire de tout idéal d’harmonie et de sens. Aussi est-il sans doute nécessaire de poursuivre ce travail de redéfinition des termes ainsi que des expériences auxquels ils réfèrent et de rester vigilant aux logiques discursives dans lesquelles ils interviennent.

A ce titre, une perspective historique permettrait de mesurer les glissements qui reconduisent l’art et la culture à des valeurs et des notions telles que l’expression, l’originalité, la créativité, l’inventivité, le décentrement, etc. Qu’en est-il, par exemple, de la « positivité » des expériences esthétiques pour favoriser l’estime de soi et l’émancipation ? En effet, il n’est pas rare de voir ces expériences considérées comme les prémices d’une expérience démocratique et le moyen d’une socialisation en favorisant des dispositions et des aptitudes bénéfiques pour la société (Dewey, Habermas, Wellmer, Meirieu, Kerlan, Zaks). Les préoccupations consistant à mettre l’accent sur les enjeux politiques et citoyens sous-jacents aux pratiques artistiques et à l’expérience « spectatoriale » réactivent, selon des modalités diverses, le projet d’une éducation esthétique de l’homme. Parallèlement, le champ des pratiques artistiques a connu ces dernières décennies un infléchissement vers des pratiques relationnelles à tel point qu’on peut parler d’un « tournant pédagogique de l’art ».

De même, les recherches menées depuis plusieurs décennies dans le domaine de la pédagogie ont permis un glissement d’un enseignement qualifié de « traditionnel » vers l’acquisition de compétences. L’enseignement ne se limite plus à la transmission de contenus mais s’appuie au contraire sur un apprentissage où l’élève est amené à « construire » ses connaissances et à leur donner sens. Dans cette optique, le sujet, l’élève, est mis au premier plan ; sa démarche et son jugement sont au cœur des apprentissages. De nombreuses raisons sont avancées pour justifier la nécessité d’une refondation de l’institution scolaire. La plus importante est de mieux répondre aux caractéristiques d’une société de plus en plus spécialisée sollicitant de nombreuses aptitudes et de reconstruire une relation vivante avec les savoirs enseignés. À cet égard, mais à bien d’autres encore, l’enseignement des arts occupe sans doute une place privilégiée et anticipe partiellement les questions et enjeux auxquels l’école et la société sont, conjointement, confrontées aujourd’hui.

On observe néanmoins que le développement des recherches menées dans ce domaine est largement inégal et tributaire des politiques en matière d’enseignement. Ainsi, le Canada, les Etats-Unis et la France, pour ne prendre que ces exemples, font preuve d’initiatives nombreuses dans le domaine des recherches sur l’enseignement des arts. Les colloques annuels du groupe « recherche-création en arts plastiques » en sont une manifestation. En 2006, le colloque organisé à l’Université du Québec à Montréal, avait pour intitulé : « Etats des lieux : l’évaluation en arts visuels ». Le colloque proposait une approche critique et prospective des questions liées à l’évaluation telles qu’elles se posent dans le domaine de l’esthétique et de la pédagogie. En 2011, la Haute Ecole d’Art et du Design de Genève tenait un colloque intitulé « Figures et méthodes de la transmission artistique : quelle histoire ? »[4] qui proposait d’explorer et d’analyser les discours et les expérimentations d’artistes-enseignants emblématiques du XX^ème siècle – Cage, Beuys, Klein, Filliou, Kaprow, pour n’en citer que quelques-uns. D’autres recherches aujourd’hui menées par des écoles d’arts ou des universités étrangères visent à mettre en relation les processus de créations et les enjeux pédagogiques en développant des initiatives originales dont il convient d’examiner les retombées. A titre d’exemple, depuis 2004, l’Université Lyon 2 poursuit un programme de recherche sous le titre « Enfance Art et Langage » (EAL) qui rassemble des universitaires, des artistes, des intervenants d’institutions culturelles et des enseignants autour d’expériences diverses comme en témoigne le colloque organisé en septembre 2013 et consacré à « La résidence d’artiste en milieux scolaire et éducatif ».

S’agissant de la Belgique, force est de constater que les initiatives et les recherches menées à la jonction de la pédagogie, de la didactique, de l’esthétique et des pratiques artistiques restent très limitées, ponctuelles et dispersées au sein de la Fédération Wallonie-Bruxelles et ce malgré la mise en place, depuis 2003, d’une formation pédagogique (agrégation) et d’un master didactique dans le domaine des arts au sein des ESA. A l’heure actuelle, il n’existe aucune visibilité des réflexions menées au sein de ces formations et, plus globalement aucune tentative pour explorer les spécificités de l’enseignement des arts et les relations singulières entre arts et pédagogie quelque soit le niveau et le type d’enseignements considérés.

En outre, la grande majorité des initiatives menées ne considèrent ces enjeux qu’au niveau de l’école fondamentale, lorsqu’il s’agit de « l’enfant » ou bien de l’enseignement supérieur (au sein des EsA[5]) délaissant ainsi, la plupart du temps, l’enseignement secondaire dans son ensemble. A ce titre, il faudrait méditer cette remarque formulée par Bernard-André Gaillot dans un des rares ouvrages qui s’attache à élaborer les Eléments d’une didactique-critique des arts plastiques : « S’il n’y a pas lieu de mettre en cause les collaborations avec le secteur de la Culture, l’accès global et transversal à la compréhension de l’art […] est non seulement l’affaire d’une culture artistique au sens large, qui rend caduque toute « activité » sectorisée, mais également de capacités transdisciplinaires désignant une compétence dont la meilleure voie d’approche est (si le pouvoir politique veut bien laisser les certifiés et les agrégés d’AP [arts plastiques] faire leur métier et même si cela ne fut pas et n’est pas encore toujours parfait) l’école secondaire [6]. »

Force est de constater également les lacunes en matière de formation continue pour les enseignants-artistes en fonction dans l’enseignement. Outre les difficultés institutionnelles que rencontre un enseignant qui pour poursuivre une activité et une pratique artistique et ainsi maintenir une position d’enseignant-chercheur, les possibilités institutionnelles pour renouveler ses compétences et s’inscrire dans une dynamique de formation et d’échange sont pour ainsi dire inexistantes dès lors qu’il s’agit de considérer la spécificité des arts, la didactique de ces disciplines, etc.

Dans cette perspective, ne faut-il pas s’interroger sur un paradoxe propre à l’enseignement des arts plastiques, à savoir : d’une part le présence d’un discours récurent sur les bénéfices de l’éducation artistique et culturelle, les bienfaits et l’importance des arts à tous les niveaux de la scolarité et, d’autre part, l’absence de considération pour les structures et les lieux qui permettraient une recherche coordonnée dans le domaine de l’enseignement des arts ?

Ce paradoxe conforte peut-être l’affirmation selon laquelle l’enseignement artistique constitue un lieu de résistance aux logiques mercantiles comme le relève les auteurs du récent ouvrage, Transmettre l’art – Figures et méthodes – Quelle histoire ?, lorsqu’ils écrivent que « l’éducation artistique reste considérée comme un espace d’expérimentation politique, et donc de résistance à la réification des connaissances et des productions symboliques, fondé sur une tradition moderne de l’indiscipline, de l’hybridation des pratiques et des savoirs ^[7]. » Que l’enseignement artistique puisse être envisagé comme un espace d’expérimentation et d’invention pédagogique ne devrait pas rester sans conséquence tant sur le plan institutionnel (l’institution devrait pouvoir accueillir une marge d’indétermination) que sur le plan de la recherche pédagogique qui tend de plus en plus à se spécialiser et à constituer un champ de savoirs à partir desquels des directives sont imposées aux enseignants^[8]

L’enseignement des arts : un espace d’expérimentation et d’invention pédagogique ?

Organisé en novembre 2014 à Bruxelles à l’initiative de l’Observatoire des Pratiques de l’Enseignement et de la Médiation des Arts Plastiques (OPEMAP) créée à cet occasion et en collaboration avec l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles, le colloque « Enjeux et pratiques des arts plastiques » avait pour ambition de favoriser l’émergence de cet espace de rencontre autour des expérimentations et des inventions pédagogiques dans le domaine de l’enseignement et de la médiation des arts plastiques.

Ainsi s’agissait-il de rendre visible la façon dont les praticiens réfléchissent leur pratique et la mettent en œuvre au quotidien et dans le cadre de projets de plus grande ampleur.

Ce premier numéro de la revue « Arts, enseignement & médiation » reprend des textes issus de ce colloque. Les trois grands axes de réflexion qui en définissaient le cadre général ont été ici maintenus :

Le premier axe est ainsi consacré aux enjeux politiques et esthétiques de l’éducation artistique aujourd’hui et à la place de la transmission des arts à l’école.

Dans cette perspective, Christian Ruby s’attache à la diversité des figures du spectateur dans le champ de l’art contemporain et aux implications que cette diversification peut avoir dans l’enseignement des arts. Interrogeant les conceptions esthétiques qui sous-tendent une partie des discours philosophiques de ces trente dernières années, Christian Ruby entend ainsi promouvoir une expérience des « écarts » entre différents modes de la spectatorialité, plutôt que le parti pris d’une position figée. La question sous-jacente à ce plaidoyer nous semble dès lors être la suivante : quels sont les dispositifs qui favorisent cette exploration dans l’enseignement artistique et la pratique de la médiation ?

A cette question, Alain Kerlan apporte quelques éléments de réponse en défendant la thèse selon laquelle, après l’accès au patrimoine de l’art et de la culture d’abord et aux pratiques artistiques ensuite, nous sommes engagés dans une troisième phase dans le processus de démocratisation culturelle visant un accès à une véritable expérience esthétique pour tous. Dans ce processus, Alain Kerlan analyse l’intervention de l’artiste en milieu scolaire sur deux versant : le brouillage des positions pédagogiques qu’elle produit et le travail qu’elle permet sur déplacement de la normativité.

Ouvrant le spectre des interventions au-delà de l’institution scolaire, le deuxième axe d’intervention porte quant à lui sur les pratiques de la médiation et les relations possibles entre préoccupations pédagogiques et expériences artistiques.

Revendiquant la reconnaissance d’une pratique de « chercheur » pour les enseignants du secondaire, le collectif d’enseignants bruxellois RED / Laboratoire pédagogique décrit ici plusieurs dispositifs hybrides qui mettent à l’épreuve la porosité des domaines de l’enseignement, de la médiation, de l’école et des institutions culturelles ainsi que l’identité des acteurs qui y sont (déplacés) : parents, artistes, élèves, enseignants, etc. Défini par ses membres comme une « interface » qui n’a pas vocation à s’institutionnaliser, RED / Laboratoire explore l’inversion des schémas d’intervention : ce n’est plus l’artiste qui intervient en milieu scolaire, mais l’élève, l’enseignant, le parent qui intervient dans le champ de l’art et de la médiation.

Julie Praet et Viencent Mathyn reviennent quant à eux sur l’histoire d’un projet de médiation, « l’art à petit pas », en pointant le double enjeu consistant à mettre l’élève face aux œuvres afin qu’il puisse en apprécier les logiques d’élaboration et qu’il puisse ensuite les expérimenter à son tour. D’autre part, Julie Praet et Vincent Mathyn relèvent les difficultés à concilier la valorisation de l’expérimentation, de l’inattendu et de la création avec l’impératif d’un programme à respecter et de résultats à évaluer.

Ouvrant le troisième axe de réflexion portant sur la formation des enseignants-artistes et la mise en perspective de pratiques d’enseignement à partir de cas concrets, Bernard-André Gaillot prolonge l’examen des difficultés auxquels l’artiste-enseignant est aujourd’hui confronté pour ensuite apporter quelques balises pour orienter l’action pédagogique et dégager des options didactiques possibles. Parmi les questions soulevées par Bernard-André Gaillot, retenons ici la question, toujours difficile, des modalités d’évaluation des acquis et de l’appréciation des traces (et supports) qui attestent de la démarche de création. Mais soulignons aussi la conviction profonde selon laquelle, s’il faut développer et renforcer la recherche en pédagogie dans le cursus de formation des enseignants, c’est à condition qu’elle soit abordée « du points de vue des arts » et à partir d’une pratique effective ce qui implique que les sciences de l’éducation soient prises en charge par la filière artistique.

De son côté, Sandrine Morsillo explore justement la façon dont les artistes prennent en charge une dimension de transmission au profit d’un art didactique aux formes complexes et comment ces pratiques artistiques ouvrent des pistes d’enseignement et de réflexion sur l’activité énonciatrice par exemple. A cet égard, il s’agit bien de réfléchir les implications d’une instance énonciatrice « double » plutôt que « trouble » pour reprendre les mots sur lesquels conclut Sandrine Morsillo.

Les trois derniers textes, de Didier Decoux, Anne Dejaifve et Marie-José Muller-Llorca constituent trois exemples remarquables d’explicitation (discursive et visuelle) d’une pratique d’enseignement soucieuse d’explorer les enjeux de sa mise en forme et des modalités des son énonciation. En exposer brièvement le contenu reviendrait par conséquent à les manquer complètement.

Dirk Dehouck

[1] Sur ce point, voir Marie-Christine Bordeaux et François Deschamps, Éducation artistique, l’éternel retour ? Une ambition nationale à l’épreuve des territoires, Toulouse, éditions de l’attribut, 2013 ; Marie Lavin « 1968-2008. Quarante ans de rapport Education/Culture. Des enseignements artistiques à l’Education artistique et culturelle », in : D. Poulot et A. Bonnet (dir.), L’éducation artistique en France, Rennes, PUR, 2010.

[2] Évaluer les effets de l’éducation artistique et culturelle. Symposium européen et international de recherche, Centre Pompidou/La découverte, Paris, 2008. Citons encore le colloque tenu en 2005, Rethinking Arts Education for the 21st Century, Tate Moderne ; le symposium Transpedagogy: Contemporary Art and the Vehicles of Education, au MoMa en 2009.

[3] Pour une synthèse de ce rapprochement du point de vue historique, en France, voir Marie Lavin, op. cit.

[4] Les actes de ce colloque viennent de paraître aux éditions Les Presses du Réel : Valérie Mavridorakis et Christophe Kihm (dir.), Transmettre l’art – Figures et méthodes – Quelle histoire ?, Les Presses du Réel, 2014.

[5] Comme en témoigne la réédition augmentée, en 2008, de l’ouvrage de Thierry de Duve, Faire école (ou la refaire ?). Voir également : Ecoles d’art. Nouveaux enjeux, Art Press2, n°22, octobre 2011.

[6] Bernard-André Gaillot, Arts Plastiques. Eléments d’une didactique-critique, Paris, PUF, 5^ème édition, 2007, p. 125-126.

[7]Valérie Mavridorakis et Christophe Kihm (dir.), Transmettre l’art – Figures et méthodes – Quelle histoire ?, Dijon, Les Presses du Réel, 2014, p. 19.

[8] Sur ce point, on mentionnera à titre indicatif l’ouvrage de Michel Le Du et Hervé Boillot, Pédagogie du vide. Critique du discours pédagogique contemporain, PUF, 1993 qui n’a rien perdu de son actualité critique dans le contexte actuel de refondation des enseignements exposés aux dérives techniciennes et managériales.

Revue : Art, enseignement & médiation
Enjeux et pratiques des arts plastiques

éd. Opemap, septembre 2015, 128 pages.
12 euros

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Sommaire

Dirk Dehouck
Introduction

Christian Ruby
La bataille de la spectatorialité

Alain Kerlan 
De l’expérience esthétique envisagée comme une nécessité démocratique

RED / Laboratoire pédagogique
Méthode et dispositifs pour des explorations pédagogiques

Julie Praet et Vincent Mathyn
L’art à petit pas : retour sur un projet de médiation

Bernard-André Gaillot
Didactique des arts plastiques et formation des enseignants

Sandrine Morsillo
De l’art didactique à la transmission artistique : postures et pratiques

Didier Decoux
Le point de départ pour une tentative de ce genre peut être la comparaison avec les autres pays. The starting point for an attempt of this kind may be represented by a comparison with other countries

Anne Dejaifve
L’art est réflexion, la réflexion est art : expériences dans l’enseignement secondaire

Marie-José Muller-Llorca
Territoire de l’œuvre — Regard de distinction